![Nora Sternfeld](https://cdn.statically.io/img/0.academia-photos.com/2689609/860872/13012374/s200_nora.sternfeld.jpg)
Nora Sternfeld
Nora Sternfeld is an art educator and curator. She is professor of art education at the HFBK Hamburg. From 2018 to 2020 she was documenta professor at the Kunsthochschule Kassel. From 2012 to 2018 she was Professor of Curating and Mediating Art at Aalto University in Helsinki. In addition, she is co-director of the /ecm - Master Program for Exhibition Theory and Practice at the University of Applied Arts Vienna, in the core team of schnittpunkt. austellungstheorie & praxis, co-founder and part of trafo.K, Office for Art, Education, and Critical Knowledge Production (Vienna) and since 2011 part of freethought, Platform for Research, Education and Production (London). In this context she was also one of the artistic directors of the Bergen Assembly 2016 and 2020-2022 BAK Fellow, basis voor actuele kunst (Utrecht). She publishes on contemporary art, educational theory, exhibitions, politics of history and anti-racism.
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The film The Desert Lives is set almost entirely at an occupied construction site. It takes the viewers into the very center of activist events and processes. Over a period of five months, the largely stationary camera accompanies the occupation of a large-scale building project in the Vienna metropolitan area. In order to prevent the construction of the multilane Lobau Autobahn – which would pass through a tunnel tube beneath the Donau-Auen National Park – as well as its access roads, activists have blocked the construction equipment and live on the building site. We want to comprehend the film in terms of its images and aims in order to then read it as an instructional film or as a blueprint for something that does not yet exist. “On the one hand it’s a protest against this destruction but at the same time, because we’re here now creating a space for ourselves, we also use this free space to test out forms of self-organization, to find out how it actual-ly works when instead of anyone telling you what to do we all create something together.” This is how an activist in the film puts it in nutshell: Every act of resistance is also an affirmation, an imagining of a different world that is possible; every occupation blocks something and at the same time builds something.
https://www.e-flux.com/education/features/
Erschienen in: jour fixe initiative berlin (Hg.): Kreolische Konstellationen. Kolonialismus – Imperialismus – Internationalismus. Edition Assemblage 2023,
Okwui Enwezor now took up Dercon’s approach in order to find his own way of reflecting on the institution’s history. Even though he always worked critically and discursively, in dealing with the building he went beyond a merely reflexive position and developed curatori-al and institutional reappropriation strategies. He made the Nazi architecture visible, and at the same time used it as an “experimen-tal field and laboratory for international projects.” In this, Enwezor to some extent turned the Haus der Kunst into a para-monument, one that incorporated the Nazi structure’s massive forms curatorially and turned them against themselves. It is such para-monumental memorial strategies that I wish to discuss here. In the context of the Tell me about yesterday tomorrow project, which refers to history with regard to the possibility of a different future, it seems pertinent to re-member Okwui Enwezor, for as director of the Haus der Kunst from 2011 to 2018 he developed a number of curatorial and institutional ways of dealing with history with precisely the same thing in mind.
Nora Sternfeld, Kunst- und Kulturwissenschaftlerin, Kunstvermittlerin,
Kuratorin und documenta-Professorin an der Kunsthochschule Kassel, geht in ihren jüngeren Arbeiten der Frage nach, wie die Institution des Museums auf radikaldemokratische Weise (neu) gedacht und praktiziert werden kann, um als ein Ort der Vermittlung zu fungieren, an dem wir etwas „voneinander lernen können, das es noch nicht gibt“. Bini Adamczak, Theoretikerin und Künstlerin in Berlin, erforscht politische Handlungszusammenhänge und hat mit ihrem letzten Buch, Beziehungsweise Revolution. 1917, 1968 und einen relationalen Revolutionsbegriff konturiert, der das Denken der Revolution vom Ereignisfetisch löst, um diese vom Revolutionär-Werden über die postrevolutionäre Konsolidierung bis zur Gegenrevolution als einen dauerhaften Prozess zu begreifen. In beiden Perspektiven werden soziale Beziehungen, wie sie sich in Institutionen auch der Künste verkörpern, im Hinblick auf ihre konstitutive raumzeitliche Ausdehnung betrachtet und in beiden spielt die Ästhetik als Mittel der Imagination und als Medium historischer und zukünftiger Konflikte eine besondere Rolle. Im Dialog über relationale Praktiken, das Wissen der Künste und ihre Institutionen setzen sie ihre Forschungsinteressen ins Verhältnis zu How to relate? als politischer Frage.
Annika Haas, Maximilian Haas, Hanna Magauer und Dennis Pohl (Hg.), How to Relate. Wissen, Künste, Praktiken / Knowledge, Arts, Practices, Band 1 der Reihe Wissen der Künste, Bielefeld 2021
Rousseau G., Sternfeld N. (2021) Educating the Commons and Commoning Education: Thinking Radical Education with Radical Technology. In: Tavin K., Kolb G., Tervo J. (eds) Post-Digital, Post-Internet Art and Education. Palgrave Studies in Educational Futures. Palgrave Macmillan, Cham. https://doi.org/10.1007/978-3-030-73770-2_7
»Take a Deep Breath In. Das ›Museum als Praxis‹ eröffnet im Oktober 2035« ist der dritte in einer Trilogie von Texten, die in den 2030er Jahren angesiedelt sind. Der erste Text »Warum überhaupt ausstellen? Eine Antwort aus dem Jahr 2030« erschien in: Natalie Bayer, Belinda Kazeem-Kamiński, Nora Sternfeld (Hg.), Kuratieren als antirassistische Praxis, Reihe curating. ausstellungstheorie und praxis, edition angewandte, Wien 2017, S. 291-308. Der zweite Text erschien online in den documenta studien: »Irgendetwas stimmte nicht. Ein Rückblick aus der Zukunftsperspektive« unter: www.documenta-studien.de/media/1/Nora_Sternfeld_Irgendetwas_stimmte_nicht_DE_FINAL.pdf
https://www.after-the-butcher.de/wp-content/uploads/2021/02/butchers-bla%CC%88tter-2.pdf
in: Carolina Rito and Bill Balaskas (Eds.), Institution as Practice. New Curatorial Directions for Collaborative Research, Berlin 2020
“You wouldn’t understand.
“You wouldn’t believe it.
“You wouldn’t –”
You would have ended up in jail in a week, two tops.
“You won’t get caught,” I said.
You won’t be able to fight the feeling that you’re dying.
“You will tell him,” she managed.
You will never speak of what happened here to anyone, ever.
“You will.
You were very generous to give it to me and I’ll try to repay the gift, but you don’t
get the right to edit anything out, to change it, or to stop me.
“You were right.”
(ana, https://www.paramoulipist.be/?p=1416)
Der kurze Text, dem ich das Motto für meinen Beitrag verdanke, heißt: Revisiting Little Brother – reading the novel as an anaphor. Er ist im Rahmen eines kollektiven Schreibprojekts von Constant entstanden. Seit 1997 arbeitet Constant, eine von Künstler*innen selbstorganisiert geführte Institution, in Brüssel an feministischen Ansätzen des Copyleft und freier Open Source Software. Constant liebt – so ist der Website zu entnehmenv – kollektive digitale künstlerische Praktiken. Dabei werden die Maschinen zum selbstverständlichen Teil einer Praxis, die sich weder von ihnen regieren lassen noch vor ihnen fürchten will, die die sexistischen und rassistischen Vorannahmen der Algorithmen untersucht und sich ihnen wie der zunehmenden Privatisierung des Digitalen gleichermaßen entgegenstellt. Constant propagiert kollektive Handlungsformen des Voneinander Lernens, der Vergesellschaftung, der Verfügbarmachung und Veröffentlichung. Auf der Suche nach einem Verständnis dieses Ansatzes folge ich den Selbstdarstellungen im Netz. Ich orientiere mich dabei auch an den künstlerischen Ansätzen, um von den feministischen Aktivist*innen
und ihrem Verständnis der Maschinen zu lernen. Mein Text folgt in diesem Sinne dem anaphorischen Fluss seines Mottos. Ich gebe den vorangestellten poetischen Text in die Übersetzungsmaschine Deep L ein und verwende die generierten Zeilen als Subkapitel für meinen Text.
The film The Desert Lives is set almost entirely at an occupied construction site. It takes the viewers into the very center of activist events and processes. Over a period of five months, the largely stationary camera accompanies the occupation of a large-scale building project in the Vienna metropolitan area. In order to prevent the construction of the multilane Lobau Autobahn – which would pass through a tunnel tube beneath the Donau-Auen National Park – as well as its access roads, activists have blocked the construction equipment and live on the building site. We want to comprehend the film in terms of its images and aims in order to then read it as an instructional film or as a blueprint for something that does not yet exist. “On the one hand it’s a protest against this destruction but at the same time, because we’re here now creating a space for ourselves, we also use this free space to test out forms of self-organization, to find out how it actual-ly works when instead of anyone telling you what to do we all create something together.” This is how an activist in the film puts it in nutshell: Every act of resistance is also an affirmation, an imagining of a different world that is possible; every occupation blocks something and at the same time builds something.
https://www.e-flux.com/education/features/
Erschienen in: jour fixe initiative berlin (Hg.): Kreolische Konstellationen. Kolonialismus – Imperialismus – Internationalismus. Edition Assemblage 2023,
Okwui Enwezor now took up Dercon’s approach in order to find his own way of reflecting on the institution’s history. Even though he always worked critically and discursively, in dealing with the building he went beyond a merely reflexive position and developed curatori-al and institutional reappropriation strategies. He made the Nazi architecture visible, and at the same time used it as an “experimen-tal field and laboratory for international projects.” In this, Enwezor to some extent turned the Haus der Kunst into a para-monument, one that incorporated the Nazi structure’s massive forms curatorially and turned them against themselves. It is such para-monumental memorial strategies that I wish to discuss here. In the context of the Tell me about yesterday tomorrow project, which refers to history with regard to the possibility of a different future, it seems pertinent to re-member Okwui Enwezor, for as director of the Haus der Kunst from 2011 to 2018 he developed a number of curatorial and institutional ways of dealing with history with precisely the same thing in mind.
Nora Sternfeld, Kunst- und Kulturwissenschaftlerin, Kunstvermittlerin,
Kuratorin und documenta-Professorin an der Kunsthochschule Kassel, geht in ihren jüngeren Arbeiten der Frage nach, wie die Institution des Museums auf radikaldemokratische Weise (neu) gedacht und praktiziert werden kann, um als ein Ort der Vermittlung zu fungieren, an dem wir etwas „voneinander lernen können, das es noch nicht gibt“. Bini Adamczak, Theoretikerin und Künstlerin in Berlin, erforscht politische Handlungszusammenhänge und hat mit ihrem letzten Buch, Beziehungsweise Revolution. 1917, 1968 und einen relationalen Revolutionsbegriff konturiert, der das Denken der Revolution vom Ereignisfetisch löst, um diese vom Revolutionär-Werden über die postrevolutionäre Konsolidierung bis zur Gegenrevolution als einen dauerhaften Prozess zu begreifen. In beiden Perspektiven werden soziale Beziehungen, wie sie sich in Institutionen auch der Künste verkörpern, im Hinblick auf ihre konstitutive raumzeitliche Ausdehnung betrachtet und in beiden spielt die Ästhetik als Mittel der Imagination und als Medium historischer und zukünftiger Konflikte eine besondere Rolle. Im Dialog über relationale Praktiken, das Wissen der Künste und ihre Institutionen setzen sie ihre Forschungsinteressen ins Verhältnis zu How to relate? als politischer Frage.
Annika Haas, Maximilian Haas, Hanna Magauer und Dennis Pohl (Hg.), How to Relate. Wissen, Künste, Praktiken / Knowledge, Arts, Practices, Band 1 der Reihe Wissen der Künste, Bielefeld 2021
Rousseau G., Sternfeld N. (2021) Educating the Commons and Commoning Education: Thinking Radical Education with Radical Technology. In: Tavin K., Kolb G., Tervo J. (eds) Post-Digital, Post-Internet Art and Education. Palgrave Studies in Educational Futures. Palgrave Macmillan, Cham. https://doi.org/10.1007/978-3-030-73770-2_7
»Take a Deep Breath In. Das ›Museum als Praxis‹ eröffnet im Oktober 2035« ist der dritte in einer Trilogie von Texten, die in den 2030er Jahren angesiedelt sind. Der erste Text »Warum überhaupt ausstellen? Eine Antwort aus dem Jahr 2030« erschien in: Natalie Bayer, Belinda Kazeem-Kamiński, Nora Sternfeld (Hg.), Kuratieren als antirassistische Praxis, Reihe curating. ausstellungstheorie und praxis, edition angewandte, Wien 2017, S. 291-308. Der zweite Text erschien online in den documenta studien: »Irgendetwas stimmte nicht. Ein Rückblick aus der Zukunftsperspektive« unter: www.documenta-studien.de/media/1/Nora_Sternfeld_Irgendetwas_stimmte_nicht_DE_FINAL.pdf
https://www.after-the-butcher.de/wp-content/uploads/2021/02/butchers-bla%CC%88tter-2.pdf
in: Carolina Rito and Bill Balaskas (Eds.), Institution as Practice. New Curatorial Directions for Collaborative Research, Berlin 2020
“You wouldn’t understand.
“You wouldn’t believe it.
“You wouldn’t –”
You would have ended up in jail in a week, two tops.
“You won’t get caught,” I said.
You won’t be able to fight the feeling that you’re dying.
“You will tell him,” she managed.
You will never speak of what happened here to anyone, ever.
“You will.
You were very generous to give it to me and I’ll try to repay the gift, but you don’t
get the right to edit anything out, to change it, or to stop me.
“You were right.”
(ana, https://www.paramoulipist.be/?p=1416)
Der kurze Text, dem ich das Motto für meinen Beitrag verdanke, heißt: Revisiting Little Brother – reading the novel as an anaphor. Er ist im Rahmen eines kollektiven Schreibprojekts von Constant entstanden. Seit 1997 arbeitet Constant, eine von Künstler*innen selbstorganisiert geführte Institution, in Brüssel an feministischen Ansätzen des Copyleft und freier Open Source Software. Constant liebt – so ist der Website zu entnehmenv – kollektive digitale künstlerische Praktiken. Dabei werden die Maschinen zum selbstverständlichen Teil einer Praxis, die sich weder von ihnen regieren lassen noch vor ihnen fürchten will, die die sexistischen und rassistischen Vorannahmen der Algorithmen untersucht und sich ihnen wie der zunehmenden Privatisierung des Digitalen gleichermaßen entgegenstellt. Constant propagiert kollektive Handlungsformen des Voneinander Lernens, der Vergesellschaftung, der Verfügbarmachung und Veröffentlichung. Auf der Suche nach einem Verständnis dieses Ansatzes folge ich den Selbstdarstellungen im Netz. Ich orientiere mich dabei auch an den künstlerischen Ansätzen, um von den feministischen Aktivist*innen
und ihrem Verständnis der Maschinen zu lernen. Mein Text folgt in diesem Sinne dem anaphorischen Fluss seines Mottos. Ich gebe den vorangestellten poetischen Text in die Übersetzungsmaschine Deep L ein und verwende die generierten Zeilen als Subkapitel für meinen Text.
Erschienen in: Onlinepublikation des Modellprogramms "Kulturagenten für kreative Schulen 2011-2015", Berlin 2015, unter: www.kulturagenten-programm.de 3/5
Rather than denying the emancipatory value of knowledge production, we have to come to terms with the fact that it might be, at the very same time, both critical of and complicit with capitalism. Taking this into account I will have a look at different artistic strategies, practices and processes of critical knowledge production that confront the canon. Doing this I would like to come back to Derrida’s dissident fidelity with Marx, when he emphasizes the important relations of interpretation and change: I will ask ‘What is the point of acting and thinking today?’ when Marx says: ‘The philosophers have only interpreted the world, in various ways; the point is to change it.
Im Rahmen des 5. Festivals für Fotografie f/stop präsentierten Vera Lauf und Judith Kästner das Symposium "Jenseits des Faktischen: Wahrheit erzeugen!" mit Beiträgen von Florian Ebner, Nora Sternfeld, Antje Krause-Wahl und Annegret Richter.
Das Dokumentarische und die Kunst stehen schon lange in einem spannungsvollen Verhältnis.
Unterschiedliche Herangehensweisen, Methoden und Formate gehen daraus hervor und äußern sich in Bild-Reportagen oder Foto-Essays genauso wie in Installationen, Performances, Animationen und Ausstellungssettings. Es werden Geschichten erzählt und Berichte erstellt; mit anderen Worten: Wahrheiten gelangen in diversen Formaten und in verschiedener Weise zur Aufführung. Sie werden nicht nur fortlaufend produziert, sondern können auch neue Handlungsfelder eröffnen. Das Verhältnis zur Wirklichkeit stellt sich dabei vielschichtig und äußerst komplex dar. Das Symposium Jenseits des Faktischen: Wahrheit erzeugen! geht dem anhaltenden und sich verändernden Interesse der Kunst an dokumentarischem Material nach und fragt nach den aktuellen Bedingungen, Möglichkeiten und Potenzialen der Herstellung von Wahrheit. Wie wird Wirklichkeit nicht nur bezeugt, sondern erzeugt? Die Beiträge der eingeladenen Wissenschaftler/innen, Kurator/innen und Künstler/innen diskutieren das erneute Augenmerk auf die pluralisierte, multimediale Berichterstattung von aktuellen Ereignissen – etwa des arabischen Frühlings – und die Effekte ihrer breiten und beschleunigten Distributionsmöglichkeiten. Sie setzen sich, vor dem Hintergrund der anhaltenden Faszination mit dem Thema im Kunstfeld, mit den Repräsentations- und Ausstellungspraktiken des Dokumentarischen auseinander. Und sie betrachten das aufgeflammte Interesse an Doku-Animationen, die eine Glaubwürdigkeit gerade über die subjektive Erzählweise herzustellen versprechen.
Es gilt das Sammeln gegen den Trend zu medienwirksamen Ausstellungen und zur Ökonomisierung von Sammlungen wieder wichtig zu nehmen, um es im Hinblick auf Demokratisierung, Vermittlung, Relationalität und Immaterialität anders zu denken und langfristig zu verankern.
Neben theoretischen Texten und künstlerischen Beiträgen umfasst die Publikation schlaglichtartige Erörterungen: Statements von SammlungsmacherInnen, die Sammlungen anlegen – und sich zugleich mit ihnen anlegen.
Edited by Cătălin Gheorghe
Published by “George Enescu” National University of the Arts in Iași & Vector Association
With the financial support of the Administration of the National Cultural Fund, Romania
Co-funded by Art Encounters Foundation, Timișoara
Bilingual: English / Romanian, 2017
Content:
Cătălin Gheorghe - Editorial: Learning research in a post-educational world
Charles Esche - Constructing a better contemporary …
Irit Rogoff - The Disenchanted
Dieter Lesage - The Black Mountain Syndrome. On the Educational Turn and the Academy
Nora Sternfeld - Sailing. In search of radical education, don’t take the next turn
Barbara Mahlknecht - Curating Education, Staging the CV. Learning at Former West?
Tom Holert - Artistic Research: Anatomy of an Ascent
Doreen Mende - Thinking with Turbulence: Towards research as a network of practices while being in (geo-)politics
Description:
The texts gathered in this book display a multitude of points of view on the consequences of the "educational turn" and the likely situations emerging on the “post-educational turn" horizon. Charles Esche suggests a detachment from understanding our times from the point of view of modernity compromised by neo-liberal politics and engaging in the common, shared construction of a new contemporaneity. Irit Rogoff speaks from the perspective of her own educational practice of ‘dis-enchanting’ forms of knowledge through ‘undisciplinary’ decisions, asignifying ruptures, engagements with the notion of ‘FREE’, policies of criticality and singularization of knowledge. Dieter Lesage reveals the conditions for manifesting a real syndrome associated with the Black Mountain College, by analyzing the current functioning of the concepts of interdisciplinarity, experiment and self-organization. Nora Sternfeld presents a series of considerations from the perspective of the history of radical pedagogy, as liberating and transforming practices, and emphasizes the relevance of the resistance created through education in art galleries. Barbara Mahlknecht employs the paradigmatic pretext of "Learning Place", a workshop conceived by Boris Buden as part of the Former West project, to analyze the condition of the educational turn in curating, by referring to concepts such as Shklovsky’s "alienation effect" and "defamiliarization" or “learning play" used by Brecht. Tom Holert dissects the anatomy of the ascension of "artistic research" both from the perspective of the threat of transnational processes of economizing and corporatising higher art education and from the perspective of the "practice of the imagination", militant resistance, de-colonialism, and even self-criticism. Doreen Mende considers research in relation to the age of turbulence, in a transgenerational time and in the context of the CCC study program at HEAD Geneva.
CURATING AS ANTI-RACIST PRACTICE
Natalie Bayer, Belinda Kazeem-Kamiński
and Nora Sternfeld (eds.)
with contributions by:
Kemi BASSENE / Natalie BAYER, Mark TERKESSIDIS / Belinda KAZEEM-KAMIŃSKI / Imayna CACERES, Sunanda MESQUITA, Sophie UTIKAL / Nuray DEMIR, Nanna HEIDENREICH, Silvina DER-MEGUERDITCHIAN / Bonaventure SOH BEJENG NDIKUNG / Minna HENRIKSSON / Thomas J. LAX / Verena MELGAREJO WEINANDT / Bahareh SHARIFI, Sandrine MICOSSÉ-AIKINS / Katharina MORAWEK / Naomi RINCON GALLARDO / Nora STERNFELD / Museum of Impossible Forms (Marianne NIEMELÄ, Christopher WESSELS, Ahmed AL-NAWAS) / Jelena VESIĆ u.a.
Hg. von Natalie BAYER / Belinda KAZEEM-KAMIŃSKI / Nora STERNFELD
Der Sammelband reflektiert Museen und Ausstellungen aus Perspektive der postkolonialen Museologie sowie der kritischen Migrations- und Regimeforschung. Dabei geht er über die kritische Analyse hinaus; versammelt Strategien und Handlungsformen, die das Kuratieren als antirassistische Praxis denkbar machen. Die Beitragenden fokussieren Handlungsmacht an den Schnittstellen zwischen sozialen Kampffeldern und kuratorischen Praxen. So tritt das Verhältnis von Kämpfen um und gegen Repräsentation in den Blick. In diesem Sinne stehen Strategien wie Talking Back ebenso im Fokus wie Kontaktzonen und Ansätze der Wiederaneignung.
Mit Texten und künstlerischen Beiträgen von Kemi BASSENE / Natalie BAYER, Mark TERKESSIDIS / Imayna CACERES, Sunanda MESQUITA, Sophie UTIKAL / Nuray DEMIR, Nanna HEIDENREICH / Silvina DER-MEGUERDITCHIAN / Minna HENRIKSSON / Belinda KAZEEM-KAMIŃSKI / Thomas J. LAX / Verena MELGAREJO WEINANDT / Sandrine MICOSSÉ-AIKINS, Bahareh SHARIFI / Katharina MORAWEK / Naomi RINCÓN GALLARDO / Bonaventure SOH BEJENG NDIKUNG / Nora STERNFELD / Jelena VESIĆ / Christopher WESSELS, Marianne NIEMELÄ, Ahmed AL-NAWAS
Zum download hier ein Blick in das Buch. Bestellungen hier: https://www.degruyter.com/view/product/482176
With contributions by Anna Sigrídur Arnar, Angela M. Bartholomew, Beatrice von Bismarck, Nanne Buurman, Kathryn M. Floyd, Anthony Gardner & Charles Green, Walter Grasskamp, Ayşe Güleç, Kristian Handberg, Dorothea von Hantelmann, Susanne König, Vesna Madžoski, Nina Möntmann, Philipp Oswalt, Dorothee Richter, Elpida Rikou & Eleana Yalouri, and Nora Sternfeld.
On the occasion of documenta’s 14th edition, this special issue scrutinizes the ways in which the Kassel-based periodic exhibition has been contributing to curating the history of the present since its inception in 1955. From diverse perspectives, the authors engage with questions of how documenta’s iterations played a significant role not only in the making of a history of contemporary art but also in the canon of the relatively young field of curatorial and exhibition studies. Focusing on documenta’s engagement with artistic and broader cultural developments, as well as its implication in shifting socioeconomic and geopolitical contexts, the texts assembled in this issue touch upon documenta’s continuous dedication to instituting and reconfiguring the contemporary throughout its history. Its characteristic dedication to contemporaneity and institutional temporariness have continuously challenged researchers to reflect and revise their methodologies and epistemological foundations. Due to documenta’s specific character as a recurring large-scale exhibition with a relatively stable framework that has to be reinterpreted anew every five years, documenta’s potentials for mediating ideologies and power structures, notions of authorship and agency, as well as relations between the local and the global have furthermore fueled negotiations of the relationship of art and politics from the outset. The texts in this issue call attention to how it not only scripted paradigmatic models of subjectivity but also gradually widened its scope from a Eurocentric vision to a more worldly frame of reference, provoking reflections on its role in the globalization of the arts and its entanglement in (neo)colonial and (neo)liberal power relations in capitalism at large.
The publication explores the two core functions of museums: exhibiting of the content and educational activities directed to audiences. These areas of activity – both committed to “mediating” between art and its audience – have existed since the birth of the public museum, but, as the result of professionalisation and specialisation of the museum field, they have developed into separate professions and have become the responsibility of specialised staff. “Curator” and “educator” are both relatively new titles in museums, and, in many countries, the professional education for these occupations is young or yet to be established.
The publication sets out to encourage dialogue between the sectors. It discusses how the professional field is outlined at present: How do these aspects relate to each other? What is the division of labour between curators and educators and what are the models of collaboration? What kind of interests and values guide their work? It further examines how the specialists incorporate their roles: How are professional identities built? While specialisation has brought focus and quality to the practice, have the fields drifted too far apart from each other?
The book is a source of information and insights for anyone working in curating and education, including both practitioners as well as researchers of these fields. With its international span, the book serves the interests of students in the fast growing fields of curatorial studies, museum education, and museology in different parts of Europe. The issues tackled in the book have pertinence also for cultural policy study and research.
It’s all Mediating is produced by the Finnish Association for Museum Education Pedaali.
Kaija Kaitavuori is a gallery educator, writer and art historian working in Finland and the UK. She worked as the Head of Education at the Contemporary Art Museum Kiasma in Helsinki for ten years. She is a founding member and was the first president of the Finnish Association for Museum Education Pedaali.
Laura Kokkonen is an independent art historian, currently pursuing studies in Curating, Managing and Mediating Art at the Aalto University in Helsinki and working in publishing, art criticism and curating.
Nora Sternfeld is an educator, writer and curator. She is the Professor for Curating, Managing and Mediating Art at the Aalto University in Helsinki and Co-Director of ecm — educating/curating/managing — master program in Exhibition Theory and Practice at the University of Applied Arts Vienna. She is also a member of trafo.k, the office for art education and critical knowledge production based in Vienna.
Mit Beiträgen von: Büro trafo.K, Olivier Desvoignes, Claudia Ehgartner, Christian Gangl, Janna Graham, Marianne Guarino-Huet, Andreja Hribernik, Andrea Hubin, Claudia Hummel, Beatrice Jaschke, Ivan Jurica, Yoeri Meessen, Katharina Morawek, Carmen Mörsch, Sandra Ortmann, Rena Rädle, Irit Rogoff, Karin Schneider, Nora Sternfeld, Thea Unteregger, Adela Železnik.
Hg schnittpunkt. Ausstellungstheorie & praxis Beatrice Jaschke und Nora Sternfeld und
Institute for Art Education Züricher Hochschule der Künste
Ausstellungstheorie & praxis Band 5
Verlag Turia + Kant
Grafische Gestaltung: Renate Höllwart
Lektorat: Kerstin Krenn
Übersetzung: Jeremiah Haidvogel und Kerstin Krenn "
Das Plädoyer für eine dissensuelle, hegemoniereflexive, multiperspektivische Geschichtsvermittlung verspricht einen Perspektiven- und Paradigmenwechsel sowohl für schulische und außerschulische Vermittlungspraxis als auch für den nationalen wie internationalen Diskurs."
Hg. von schnittpunkt, Belinda Kazeem, Charlotte Martinz-Turek, Nora Sternfeld, Turia + Kant, Wien 2009.
Mit Beiträgen von Martina Griesser-Stermscheg, Araba Evelyn Johnston-Arthur, Serhat Karakayali, Jens Kastner, Belinda Kazeem, Christian Kravagna, Brigitta Kuster, Nicola Lauré al-Samarai, Charlotte Martinz-Turek, Peggy Piesche, Barbara Plankensteiner, Nora Sternfeld, Françoise Vergès, Marion von Osten, Regina Wonisch.
Lektorat: Persson Perry Baumgartinger, Übersetzung: Barbara Schröder
Entstanden in Kooperation mit translate. Beyond Culture: The Politics of Translation (translate.eipcp.net)
Ethnologische Museen sind in den letzten Jahren international vor dem Hintergrund der postcolonial studies und des reflexive turn in der Museumstheorie zunehmend in ihrem Selbstverständnis diskutiert worden und in den Blick öffentlicher Kritik geraten. Einerseits wurden museale Repräsentationen und exotisierende Fremdzuschreibungen radikal in Frage
gestellt, andererseits waren es auch Rückforderungsansprüche, die Thema einer immer lauter werdenden Debatte um die Rechtmäßigkeit der Bestände westlicher Museen wurden. Der Sammelband vereint Texte, die sich mit den Implikationen der Debatten in den postcolonial studies für die Ausstellungstheorie auseinandersetzen, und fragt nach Handlungsräumen,
die sich aus dieser Kritik am Museum ergeben.
Hg. von schnittpunkt, Nora Sternfeld, Luisa Ziaja,
Wien 2010.
Mit Beiträgen von Martin Baxmeyer, Martina Griesser-Stermscheg, Franz Jud, Andreas Lehne, Nora Sternfeld, Anke te Heesen, Friedrich Tietjen, Heidemarie Uhl, Luisa Ziaja.
Lektorat: Kerstin Krenn
Während dokumentarische Strategien in der zeitgenössischen Kunst aktuelle gesellschaftliche und politische Themen in den Ausstellungsraum tragen, ist das Medium Fotografie in den Geschichtswissenschaften einer kritischen Reflexion als historische Quelle unterzogen worden. Eine Zusammenschau beider Perspektiven lotet Möglichkeiten und Grenzen eines Mediums aus, das ebenso in seinem manipulativen Charakter wie in seiner investigativen Qualität zur Diskussion gestellt wird. Der Sammelband geht der Funktion von Fotografie in der kuratorischen Praxis, in der Kunst und in kulturhistorischen Zusammenhängen nach und fragt nach ihrer Bedeutung im Ausstellungskontext.
Welche Funktion haben Fakten in der künstlerischen Fotografie? Was macht eine Fotografie zur historischen Quelle? Und wie ist sie kritisch zu verstehen? Gibt es Eigenlogiken des Mediums im Feld der Kunst bzw. im Feld der Kulturwissenschaften? Wo ist die Grenze zwischen der Herstellung von Öffentlichkeit und Voyeurismus? Wie verändert das Museum bzw. der Ausstellungsraum die Rezeption von Fotografien?
Wer bestimmt, was in Ausstellungen zur Sprache kommt, und was bleibt dabei unausgesprochen? Welche Botschaften werden vermittelt? Wie werden Texte und Erklärungen in Ausstellungen wahrgenommen? Sprache hat in Ausstellungen eine spezifische Macht: Raumtexte, Objektbeschriftungen, Führungen und audiovisuelle Medien stellen jene Kontexte her, die die Thesen von Ausstellungen erst nachvollziehbar machen. Sie scheinen allgemein gültig und evident, produzieren Wahrheitseffekte. Mit der Frage "Wer spricht?" geht der Sammelband der Definitionsmacht in Ausstellungen auf den Grund und nimmt darin implizite Ausschlüsse in den Blick. Ein weiterer Schwerpunkt widmet sich Projekten und spezifischen Handlungsfeldern der Vermittlung ebenso wie den Möglichkeiten und Grenzen einer emanzipatorischen Vermittlungspraxis.
Mit Beiträgen von Martina Böse, Claudia Ehgartner, Andreas Hoffer, Renate Höllwart, Oliver Marchart, Charlotte Martinz-Turek, Stefan Nowotny, Rahel Puffert, Andreas Spiegl, Nora Sternfeld, Luisa Ziaja.
Lektorat: Gerhard Unterthurner
Online-Publikation zum Workshop im freiraum des MK&G Hamburg im Januar 2024 mit Beiträgen von Luise Burth, Dörte Habighorst, Daria Jurack, Carolin Kühn, Marlene Petrowski, Nora Sternfeld, Julia Stolba, Leonie Wahler, Tilman Walther, Lina Zabel. Im Rahmen der Lehrveranstaltung „Das Volk bilden“ von Nora Sternfeld und Julia Stolba an der HBFK Hamburg und dem Freiraum im MK&GK
https://art-education.hfbk.net/de/projekte/un-heimliche-spuren-kollektives-suchen-nach-voelkischen-aesthetiken
In the series of workshops we want to take this into consideration and explore what it means for artistic practice. We want to artistically examine the commons that documenta fifteen addressed with »lumbung«, discuss them in the translocal context of German and against the background of international histories of violence and resistant struggles, and understand them as contact zones: As shared spaces, but also as sites of conflict.
With contributions by Reza Afisina und Iswanto Hartono (ruangrupa), Havîn Al-Sîndy , Ulf Aminde, Livia Erdösi, Eduard Freudmann, Suy Lan Hopmann, Leon Kahane, Grégoire Rousseau (Lumbung Radio), Dmitry Vilensky (Chto Delat), Kervin Saint Pere, Vassilis Tsianos, Nora Sternfeld, Anja Steidinger, Sarah Savalanpour and Julia Stolba and students of the HFBK Hamburg
Aber dann stellt sich gleich eine weitere Frage: Wie kann und wie soll die Geschichte der Kunstvermittlung erinnert werden? In einem zweitägigen Workshop wollen wir uns dieser Frage anhand internationaler Positionen in Verbindung mit Akteur:innen und Dokumenten aus Geschichte und Gegenwart und in Kooperation mit verschiedenen Wiener Institutionen stellen.
Montag, 20. März 2023, 18.00–20.30 Uhr
Universität für angewandte Kunst Wien, Auditorium
Vordere Zollamtsstraße 7, 1030 Wien
Dienstag, 21. März 2023, 10.00–19.30 Uhr
Volkskundemuseum Wien
Laudongasse 15-19, 1080 Wien
und hdgö, mumok, Secession, Weltmuseum Wien
Exhibition Theory and Practice at the University of Applied Arts Vienna
Thursday, May 5, 2022, 10am–9pm
The museum is dead. Long live the museum. This, or something similar, could be the brief summary of numerous conferences, debates, and publications in the field of curating and museum studies over the past 20 years. The critique of the museum has been widely discussed. We have heard a lot about crisis and departure, we have heard about “tired museums” and the “end of the museum,” only to debate in that same breath untapped possibilities for thinking about the museum in new and different ways – as a space of assembly and as a contact zone, as a place of criticism, polyphony, and negotiation. Something seems to be on the move, and so it is not surprising that talk of the “museum of the future” is booming. Claims of diversification, digitalization, and democratization have become ubiquitous, while at the same time institutions are more than ever focused on privatization, economization, competition, and precarization. How can we as critical curators and museologists think and
act within these contradictions? And how can critical theory become
critical practice?
Symposium of the Kunsthochschule Kassel in collaboration with Station of Commons
17th and 18th of July 2020
The two-day symposium entitled "What System Actually" refers to the German term "System-relevant", in reference to the essential workers "necessary" to keep "the system" running during the ongoing pandemic. Paradoxically, the pandemic has amplified the very exploitative conditions of neo-liberal capitalism, exposing the precariousness of many of the system's "relevant" workers. Through this symposium we would like to interrogate "the system" through thoughtful conversations about the potential to move beyond notions of competition & exploitation.
Aiming to imagine alternatives and share strategies about how to make this happen, we will take a close look at questions regarding art and activism; the democratisation of democracy; precarity, labour and migration; the structures of cultural institutions and their involvement with the private sector; the commoning of institutions and digital commoning practices; the decentering of western exhibition histories and the actual relevance of art in societies.
The symposium takes place on Zoom, which is a private and commercial communication tool officially provided by the University of Kassel – and will be available as a video- and audiostream on Station of Commons, an online platform investigating the possibilities of reappropriating technology within public space. This broadcasting alternative opens the symposium up to a wider audience and poses the question: What system actually?
With artistic and discursive contributions by:
Angela Anderson, Yin Aiwen, Freja Bäckman, Nanne Buurman, Katalin Erdődi, Matthijs de Bruijne, Denise Ferreira da Silva, Amilcar Packer, Valentina Desideri, Juan Gomez, Lorenzo Graf, Ayşe Güleç, Carina Herring, Iman Issa, Ksenia Kaverina, Sonia D´Alto, Annette Maechtel, Jumana Manna, Oliver Marchart, Agnieszka Polska, Gregoire Rousseau, Nora Sternfeld, David von der Stein, Julia Stolba, Olaf Vahl, Cecilia Vallejos, Lorena Vicini, WHW (Nataša Ilić and Sabina Sabolović)
In collaboration with: Station of Commons
http://stationofcommons.org/
With artistic, performative and discursive contributions by:
Mariabruna Fabrizi, Flo Kasearu, Olga Jitlina, Alexandra Pirici and Natasa Siencnik
Conceptualised and organised collaboratively by Praxis and CuMMA –
the two curatorial study contexts in Helsinki: Alina Belishkina, Eeva Holkeri, Elina Hämäläinen, Vera Kavaleuskaya, Aleksandra Kiskonen, Ziva Kleindienst, Vanessa Kowalski, Marharyta Liavonenka, Pamela Medina Lopez, Ingrid Orman, Miina Pohjolainen, Mariliis Rebane and Gregoire Rousseau, advised by Marko Karo, Anna-Kaisa Rastenberger and Nora Sternfeld.
Research Pavilion, Sala del Camino, Campo S. Cosmo 621, Giudecca, Venice
marginalisierter Erinnerungsort: Bereits unmittelbar nach
Kriegsende wurde die in Trümmern liegende Gestapo-
Leitstelle als Ort des Terrors und der Verbrechen der Nazis zu
einem wichtigen Bezugspunkt des Gedenkens an die antifaschistischen
Widerstandskämpfer_innen. Es sollte aber
Jahrzehnte dauern, bis die in erster Linie vom KZ-Verband
getragene und immer wieder eingeforderte Würdigung der
Opfer mit der Errichtung einer Gedenkstätte und eines Mahnmals
Eingang in die offizielle österreichische Gedenkkultur
fand. Diese war bekanntlich bis in die 1990er-Jahre von
jenem widersprüchlichen Geschichtsverständnis geprägt, das
– die Mitverantwortung für die Verbrechen ausblendend –
Österreich als antinazistisches »erstes Opfer« stilisierte und
gleichzeitig die antifaschistische Erinnerungserzählung als
kommunistisch diffamierte. Die Auseinandersetzungen
darüber, welchen Opfern bzw. Opfergruppen am Morzinplatz
wie gedacht werden soll, ziehen sich bis in die Gegenwart –
das Erinnern stellt sich nach wie vor als umkämpftes dar.
Am Morzinplatz lassen sich also beispielhaft die geschichtspolitischen
Deutungskämpfe der Zweiten Republik –
Konflikte, Kompromisse und Konsensbildungen, wie auch
deren Widersprüche und Auslassungen – nachzeichnen.
Warum und inwiefern bleiben dieser Gedächtnisort und seine
UMKÄMPFTES ERINNERN
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Geschichte dennoch meist paradox unsichtbar? Und wofür
kann und soll der Ort heute stehen?
Zum Abschluss des Into the City-Programms »Hotel Metropole.
Der Erinnerung eine Zukunft« geben widmet sich ein
Symposium den vergangenen und gegenwärtigen geschichtspolitischen
Kämpfen, geht den postnazistischen Bruchlinien
und daraus resultierenden Transformationen des Gedenkens
nach und fragt nach möglichen Allianzen und Strategien der
Intervention und Aktualisierung. In unterschiedlichen
Formaten werden geschichtswissenschaftliche, künstlerische,
geschichtsaktivistische, kulturwissenschaftliche und stadtforschende
Perspektiven eröffnet, reflektiert und gemeinsam
diskutiert.
Ein Symposium zu Geschichtspolitik und Gedenkkultur von schnittpunkt. ausstellungstheorie & praxis, www.schnitt.org
Im Rahmen von »Hotel Metropole. Der Erinnerung eine Zukunft geben«
Into the City / Wiener Festwochen
which began in 2000, economic criteria and considerations
regarding commercial success have gained significance in
the exhibition field and have had an impact on organizational
forms, conditions of production and decision making
processes. At the same time, a critical discourse has emerged
in the 1990s outside the institutions, which, referring to
Governmental Studies, examined in depth power relations
and the processes of commodification, which are a result of
the economization of public institutions. Premised on these
circumstances and perspectives the New Institutionalism was
developed, an approach, which pursues a change of the
structures of institutions from inside.
In economic science a new subject, the Critical Management
Studies (CMS) are currently evolving and becoming a new
field of academic inquiry, that, deriving from Critical Theory,
questions and challenges the authority and significance
of the mainstream of institutional thought and action, thus
challenging dominant systems and proposing new and
alternative developments.
In an interdisciplinary seminar we intended to scrutinise
these developments that are currently taking place in
economics, political theory and the exhibition field, as well
as their connections between and examine its usage within
institutions and society.
of public institutions.
Premised on these circumstances and perspectives the „New Institutionalism“ was developed, an approach, which pursues a change of the structures of institutions from inside.
In economic science a new subject, the Critical Management Studies (CMS) are currently evolving and becoming a new field of academic inquiry, that, deriving from Critical Theory, questions and challenges the authority and significance of the mainstream of institutional thought and action, thus challenging dominant systems and proposing new and alternative developments.
In an interdisciplinary Seminar we would like to scrutinise these developments that are currently taking place in economics, political theory and the exhibition field, the connections between and examine its usage within institutions and society.
A seminar by schnittpunkt. exhibition theory and practice in cooperation with the Volkskundemuseum Wien
supported by Bundeskanzleramt Österreich
Diesen Fragen geht das vorliegende schulheft anhand des Projekts „Strategien für Zwischenräume. Neue Formate des Ver_Lernens in der Migrationsgesellschaft“ nach, in dem Jugendliche, Vermittler_innen, Wissenschafter_innen und Künstler_innen gemeinsam antidiskriminatorische Lehr- und Lernformate zu Geschichte, Stadt, Sprache und Kunst erarbeitet und zusammengetragen haben.
Mit diesem Text möchten wir aus einer Perspektive der Praxis die schillernde Logik des Geschmacks verfolgen. Wie lässt sich diese zwischen der normierenden Herstellung von Sicherheit einerseits und der Möglichkeit, gerade Sicherheiten zu stören andererseits verstehen? Und um es noch komplizierter zu machen, interessieren uns diese ambivalenten Momente besonders dort, wo die Selbstverständlichkeiten von Geschmacksurteilen in der Vermittlungspraxis selbst dekonstruiert werden sollen. Denn auch dabei entstehen Unsicherheit und Norm, Dekontextualisierung und Rekontextualisierung, Anpassung und Widerstand sowohl auf Seiten der Teilnehmenden als auch auf Seiten der Vermittler_innen.
trafo.K
Flic Flac* – Feministische Materialien für den Kunstunterricht.
Mit Flic Flac* versuchen Elke Smodics-Kuscher und Nora Sternfeld vom Büro trafo.K sich den Kodierungen, Fallstricken und Widersprüchen zu stellen, die eine Beschäftigung mit Feminismen im Unterricht mit sich bringen. Ziel der Materialien ist es, feministische Ansätze und künstlerischer Strategien im Hinblick auf die Entwicklung eigener Handlungsformen vorzustellen. Künstler_innen produzieren Wissensformen und Handlungsräume, die sich bestehenden Machtverhältnissen und Normierungen widersetzen. Die Auseinandersetzung mit Sprache sowie mit künstlerischen Arbeiten und Strategien wird durch DIY-Vorschläge für den Unterricht ergänzt, die vielleicht Lust machen, selbst zu handeln.
Die feministischen Materialien beinhalten:
• DIY Handlungsanweisungen, die zu einer Beschäftigung mit den künstlerischen Arbeiten und feministischen Strategien einladen.
• ein Glossar, das eine Auseinandersetzung über Sprache und Definitionen ermöglicht (Text: Persson Perry Baumgartinger, Illustrationen: Evi Scheller).
• eine Sammlung künstlerischer Arbeiten mit Fragen für den Unterricht.
* Flic Flac bezeichnet die Akrobatik, die es ermöglicht, die Dinge auf den Kopf zu stellen und wieder auf den Beinen zu landen.
In den zehn Kapiteln finden historische Errungenschaften mit all ihren Verbindungen zur Gegenwart ebenso ihren Platz wie Widersprüche und Kämpfe als Unterbrechungen innerhalb der feministischen Geschichte und die Vielstimmigkeit und Heterogenität aktueller feministischer Initiativen und Anliegen.
Mit ihren wissenschaftlichen, künstlerischen und journalistischen Zugängen kommentieren die Autorinnen der Beiträge den aktuellen Alltag nicht nur, sondern tragen auch zu seiner Veränderung bei: Ihre Beiträge sind ebenso kritisch wie humorvoll, zuweilen dekonstruktiv, oft alltagsbezogen, manchmal theoretisch, ganz schön wütend, aber auch nützlich und visionär ...
Projektleitung: Elke Smodics-Kuscher
Projektteam: Renate Höllwart, Elke Smodics-Kuscher, Nora Sternfeld – Brigitte Geiger (Archiv der Frauen- und Lesbenbewegung Stichwort) und Beate Hausbichler (Redakteurin bei dieStandard.at)
© Büro trafo.K | tel (#43-1) 585 49 79 | e-mail: buero@trafo-k.at
chen Berufsschulen BS für Gastgewerbe, BS für Informationstechnik, BS für Bürokaufleute, BS für Chemie, Grafik und gestaltende Berufe, BS für Holzverarbeitung und Musikinstrumentenerzeugung Ausstellungsbeiträge konzipiert,
diskutiert und umgesetzt. Innerhalb des Ausstellungsprojekts wurde der Versuch gemacht, eine Aktualisierung geläufiger Images Mozarts und seiner Zeit im und für das Heute zu wagen. Während der gesamten Ausstellungsdauer von zwei Monaten wurden Veranstaltungen von Jugendlichen für Jugendliche organisiert, bei denen die Ideen und Inhalte der Ausstellung der Öffentlichkeit zugänglich gemacht wurden und diskutiert werden konnten.
Aufbauend auf den Beiträgen der Lehrlinge wurde die Ausstellung zusätzlich durch Kommentare und Interventionen von Schülerinnen und Schülern, die während Vermittlungsaktionen entstanden, erweitert. Der Katalog zu ›M‹ wie made, mania und mehr, »Tagebuch einer Ausstellung«, soll den Projektverlauf sowie die Ausstellung und ihre Veränderungen dokumentieren. Wie im Titel angesprochen, wird die Ausstellung vom Entstehungs prozess bis zur letzten Jugendveranstaltung, die zum Zeitpunkt des
Drucks noch gar nicht stattgefunden hatte, quasi chronologisch vorgestellt."
Friederike Landau reviews this collection of essays by Nora Sternfeld on 'the radical reconceptualisation of museums as contested public spaces' (published in the original German, De Gruyter, 2018)
Produced by The Finnish Association for Museum Education Pedaali.
http://www.c-s-p.org/Flyers/It-s-all-Mediating--Outlining-and-Incorporating-the-Roles-of-Curating-and-Education-in-the-Exhibitio1-4438-4775-5.htm "
Verantwortet: Prof. Dr. Nora Sternfeld in Kooperation mit Ayse Güleç (documenta 15), Susanne Hesse-Badibanga (Leitung Bildung Vermittlung documenta gGmbH) und Mirl Redmann (Forscherin und Vermittlerin)
Wenn wir davon ausgehen, dass Kunst und Vermittlung die bestehenden Verhältnisse infrage stellen können, dann geschieht dies auf zweierlei Weise: Einerseits wird das Sichtbare, Sagbare und Zeigbare durch kritische Vermittlung brüchig, diskutier- und hinterfragbar. Andererseits können andere Möglichkeiten zu sehen und zu wissen zutage treten. Diese betreffen das Wissen von Kämpfen, aber auch das Wissen von einer anderen Möglichkeit. Sie lassen neue Formen des Zusammen-Denkens und Zusammen-Handelns entstehen, in denen Strukturen neu verstanden und Ressourcen neu verbunden werden. Wir zeigen uns also etwas, das es noch nicht gibt.
Das Seminar widmet sich vor diesem Hintergrund Handlungsformen, Interventionen und Imaginationen in der Kunstvermittlung. Fragen in diesem Zusammenhang werden sein: Welche Handlungsräume für Kunstvermittler*innen sind im Rahmen von Ausstellungen möglich? Wie überschneiden sich künstlerische und edukative Praktiken in der Geschichte der Kunst, der Vermittlung und des Kuratierens? Welche Rolle spielt Kunstvermittlung für die Schule? Wie lassen sich Ausstellungen demokratisieren? Und wie verschaffen sich Praktiken zwischen Kunstvermittlung und Antirassismus Raum?
Es könnte alles so schön sein, wenn… – Das ist die Formel für jedwede Wunschproduktion. Vor dem Hintergrund der Gegenwart, in der es mir auch ohne Borg-Apokalyptik schwerfällt, mir eine schöne Zukunft vorzustellen, schreibt sich die Suche nach einem Wunschtraum in mir unweigerlich in eine Frage um: Was kommt nach der Dystopie? Und was könnte das Museum damit zu tun haben?
Bei Star Trek Picard taucht am Horizont die mögliche Lösung auf: Im Starfleet Museum in dem eine beeindruckende Sammlung von Star Trek-Raumschiffen beherbergt ist, findet sich noch die alte USS Enterprise – ein im Grunde genommen vorsintflutlicher, autonomer Weltraumdampfer, aber fast vollständig restauriert und einsatzfähig. Das Raumschiff, das technologisch noch aus einer Zeit stammt, bevor alles kompatibel miteinander vernetzt wurde, verspricht die letzte Hoffnung auf eine Zukunft aus der Geschichte. Stellen wir uns also ein Museum der Zukunft vor und fragen uns: Was müsste so ein Museum leisten, um uns aus der Zukunft, auf die wir zuzufahren scheinen, zu befreien? Dieser Frage möchte ich nachgehen und dabei zuerst das, was am Museum Museum ist, nicht aus den Augen verlieren. Dieses spezifische Museumspotenzial, das wir als materielles Reservoir vergangener Möglichkeiten bezeichnen könnten, führt mich zur Frage nach dem radikaldemokratischen Museum. Was können wir aus einer radikaldemokratischen Perspektive für das Museum als Museum lernen und was dürfen wir uns erträumen?