El mes pasado, las imágenes de las nuevas obras de arte público de Philadelphia se hicieron virales en redes sociales cuando los usuarios publicaron sobre la escultura más reciente del artista Miguel Antonio Horn: Una estructura de ocho piezas de figuras con apariencia humana, hechas de placas de aluminio, que flotan a unos seis metros del suelo, en un puente que conecta dos edificios de la calle Cuthbert, entre las calles 12th y 13th.
La reciente instalación, ContraFuerte, se convirtió rápidamente en una atracción del Center City después de que el influencer Conrad Benner la publicara en su blog el 30 de agosto. Desde entonces, críticos, artistas y público desde Philadelphia hasta Francia, Italia y Rusia han compartido comentarios y publicado historias sobre la obra.
Horn, de 37 años, fundador de El Cubo, un estudio de arte experimental en el oeste de Philadelphia, dijo que nunca esperó una reacción tan pública. “La idea era presentar la obra de arte más adelante, el 23 de septiembre, y por eso no habíamos compartido ninguna información al respecto, nada”, dijo sobre los planes originales que los comisionados de la ciudad y los inversores privados tenían para la escultura. “No teníamos un plan para este tipo de reacción, así que ahora nos apresuramos a ponernos al día”.
El artista recibió el encargo de Parkway Corp. como parte del programa Percent for Art, un mandato de 62 años de antigüedad que exige que al menos el uno por ciento de los costos presupuestarios de los grandes proyectos de renovación o nuevas construcciones en terreno público se dedique a arte público original específico para el lugar.
Horn es uno de los pocos artistas latinos que participan en el programa Percent for Art. Documentó el proceso de diseño de la instalación en su cuenta de Instagram @contrafuertephl, donde incluye bocetos, maquetas de arcilla e impresiones digitales.
Al difundir el proyecto, Horn dice que prefiere evitar compartir el concepto o la construcción de la escultura para mantener despierta la imaginación de la gente. A medida que más usuarios de redes sociales lo etiquetan en sus publicaciones y comentarios, ve más valor en las conversaciones que se producen entre los grupos y a través de las plataformas.
“Mi trabajo es inspirar la curiosidad que nunca desaparece”, dijo. “Aunque haya muy poco contexto e información sobre la pieza, la gente sigue captando el mensaje”.
Horn, hijo de padre venezolano y madre colombiana, es escultor desde hace 11 años y vive en Philadelphia desde 2001. Graduado del Harriton High School, obtuvo un certificado de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts en 2006.
Después de la escuela de arte, Horn regresó a Sudamérica para viajar por el continente y reconectarse con sus raíces, para encontrar inspiración para su arte. Gran parte del arte que estudió en Estados Unidos se inspiró en obras europeas, principalmente influenciadas por los movimientos francés y grecorromano.
Horn dijo que visitó Colombia, Venezuela, Guatemala, Panamá, Brasil y otros países de América Latina para aprender sobre el arte precolombino y su conexión con los pueblos indígenas. Durante sus viajes, conoció a Javier Marín, un artista mexicano que realiza esculturas contemporáneas de aspecto humano, y Horn tuvo un aprendizaje de cinco años con él antes de regresar a Philadelphia en 2011.
Las esculturas de gran formato de Horn se han expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo de Tamaulipas en México, en el Brownsville Museum of Fine Art en Texas, en Philly’s University of the Arts, Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia Museum of Art y como parte de la Vancouver Biennale en Canadá. Ha recibido becas para talleres y obras de arte a nivel local e internacional.
The Inquirer habló con Horn sobre su trabajo más reciente.
¿Cómo se involucró en este proyecto?
Un antiguo director general de Parkway es un coleccionista mío. Parkway se puso en contacto conmigo y me preguntó si estaría interesado en presentar una idea para este proyecto con el programa Percent for Art. En ese momento, estaba terminando un proyecto para el Logan Hotel, que era en ese momento mi mayor escultura utilizando un método topográfico, una placa encima de la otra. Esa obra me dio la oportunidad de demostrar el trabajo que podía hacer a gran escala. Aun así, tenía que convencer a los inversores que encargaron la obra, a la Comisión [de la Autoridad de Reurbanización] y a la Comisión de Arte de la ciudad, y eso no fue fácil. Las conversaciones comenzaron en 2015 y pasó más de un año cuando pude demostrar que podía manejar los materiales, que era capaz de ejecutar el proyecto, que era apropiado para ese callejón.
¿Qué estaba ocurriendo en su vida al momento en que trabajaba en esta obra?
La idea inicial del proyecto era muy diferente. Se llamaba Rising Tides, y la imaginería que proponía era mucho más salvaje. En ese momento, las noticias estaban llenas de reportajes con inmigrantes y refugiados que intentaban cruzar el mar Mediterráneo para escapar de Siria. La propuesta fue rechazada y aplazada. Me disculpé con los comisarios por lo cargada que estaba la pieza y pedí una oportunidad para expresar algo diferente.
A finales de 2016, empezamos a ver un movimiento contra el acoso sexual hacia las mujeres y un crecimiento de la retórica negativa en torno a los inmigrantes. Fue más o menos cuando supe que iba a tener una hija. Así que, cuando me asomé al callejón Cuthbert, vi este lugar de forma diferente, al ser yo residente de Philadelphia durante tanto tiempo, pensé que conocía bien esta ciudad, pero no necesariamente. Aun así, sentí la necesidad de abordar esta batalla: la violencia, la lucha, la experiencia que viven las mujeres, las personas de color y los inmigrantes cuando buscan su espacio en nuestra sociedad. El callejón era el lugar perfecto para ello; un mensaje de resistencia.
Sin hacer interpretaciones sobre el concepto que hay detrás, ¿cómo influyeron estas circunstancias y tu crianza en tu proceso artístico para ContraFuerte?
Cada proyecto en el que trabajo tiene capas de significado. Sin etiquetar la pieza, me inspiré en cómo se percibe a los inmigrantes, en lo que supone ser una estadounidense cuya familia es de Colombia y Venezuela y que vivió cinco años en México, en todos esos viajes que hice por Latinoamérica, en lo ignorantes que podemos ser, en el tipo de sociedad en la que criaría a mi hija. ContraFuerte tiene preguntas más profundas que surgen sobre nuestra sociedad y las cosas a las que nos enfrentamos hoy en día. Habla de la fuerza de las comunidades, de encontrar el equilibrio, de apoyarse unos a otros, del feminismo, de la incomodidad al decir una palabra. Es muy bonito que esta inspiración sea lo que está impulsando la conversación en torno a la obra en estos momentos.
¿Por eso llamaste a la obra ContraFuerte, en español?
Más allá de eso, lo que me gusta del idioma español es que las palabras tienen algo más que un significado, que es algo de lo que habla la obra. En la superficie, ves algo [en ContraFuerte] que parece obvio, pero al observar con más detalle, llegas a entenderlo de varias maneras y a describirlo de distintas formas. Como parte de una pieza de arte público, el nombre refleja contextos de luchas universales –a tener poder en la unidad, a la contrafuerza, a sentirse apoyado, a no hacer nunca nada solo, a resistir, a la batalla continua por el equilibrio y la equidad– y deja un poco a la imaginación de la gente.
